Me meto un tiro,
¡Pum!
El eco suena,
¡Pum!
O quizás es el corazón,
¡Pum!
Que todavía sueña.

Etiqueta: Entrevistas

Seether, aprovechando la tecnología para sonar mejor

Seether, aprovechando la tecnología para sonar mejor

Seether Talk New Album ‘Isolate and Medicate,’ Band Camaraderie + Touring

Seether

Sacado de // From –> http://portalternativo.com/http://loudwire.com/

Seether se pasaron hace unos días por los micrófonos de “Full Metal Jackie” para hablar de “Isolate And Medicate”, su próximo disco, que se publicará el 1 de julio.

Creo que con cada álbum hemos mejorado en lo que hacemos y somos más eficientes en el estudio. La tecnología, sin duda, ayuda. Pro-Tools no hay duda de que ayuda. Pro-Tools es un arma de doble filo. Puede ser malo o hacer que una banda mala suene terrible si se abusa. Es como todo. Como las imágenes generadas por ordenador, puede estar bien siempre que no se abuse y quede falso. Pro-Tools puede hacer que algo suene falso pero también puede que algo suene realmente bien.

Además, con los ordenadores hoy en día puedes sacar grandes sonidos de los equipos. Puedes emular sonidos analógicos. Sé que podemos crear discusiones eternas con la gente por ello pero era el objetivo. Brendan (O’Brien) y su equipo tienen ese sistema ahí con el que parece que se ha grabado todo en cinta de verdad. Creo que lo que hacen es genial y suena genial. Además me parece un equipo realmente eficiente. Entramos sabiéndonos las canciones al revés. Así que al saber lo que teníamos que hacer, no fue cuestión de hacer 4-5 tomas de todo. Creo que John (Humphrey) hizo una o dos tomas en la mayoría de sus partes de batería. Dale (Stewart) tuvo que aprenderse las canciones antes de que hiciera sus partes de bajo. Pero cuando se las supo, fue cosa de 1-2 tomas. Son canciones con las que hemos vivido durante mucho tiempo así que cuando llegó el momento de meternos (en el estudio), sabes cual es tu parte y cual es tu rol.

Del primer single, “Words as Weapons”, cuenta Humphrey:

Era una canción que grabamos e intentamos añadir al grandes éxitos el pasado año – “2002 – 2013. Salió bastante bien así que decidimos guardarla y esperar y añadirlo al próximo lanzamiento. Así que hacía un tiempo que teníamos esa canción. Se hizo en una sesión en junio del pasado año y fue una especie de gran hito para lo que debía ser el resto del ‘álbum’ o al menos tan potente como eso. Nos puso a tono y nos dio una meta, si quieres llamarlo así.

Si queréis leer la entrevista al completo, en inglés, pasaros por –> Seether Talk ‘Isolate and Medicate’ Album + Touring

IN ENGLISH

‘Isolate and Medicate’ is going to be out on July 1. The album was recorded in just 16 days. Is it a point of pride for all of you that these songs are so good that there’s no need to spend a lot of time fine tuning anything?

SMI’d like to think that we’ve gotten better at what we do with each album and are more efficient in the studio. Technology certainly helps. Pro-tools definitely helps. Pro-tools is kind of a double-edged sword. It was be bad, or make a band sound terrible if it’s abused. It’s like anything. Like CGI, it can be cool in a movie unless it’s overdone and just looks fake. Pro-tools can make something sound fake, but you can also make something sound really good.

Also, computers these days you get great sounds out of rigs. You can emulate analog sounds now. I know we can get into arguments with people about that all day, but that was the point. A lot of studio sound is quite digital these days because of that system and being the industry standard. Brendan [O’Brien] and his team have got that system down where it sounds like you actually went into a tape machine. I think what they do is great and it sounds great. I think they’re also a very efficient team, and we went in knowing our songs backwards. So, because we knew what we needed to do, it wasn’t a question of doing 4-5 takes of everything. I think John did one or two takes at most of his drum parts. Dale had to learn the songs before he did his bass parts. But, when he got them down it was a 1-2 take bass guys. These are songs that we’ve lived with for a long time too, so by the time we get in, you know what your part is and what your role is. So you get in and knock it out.

Tell me about the song ‘Words as Weapons.’

John Humphrey: That was a song we had recorded and intended to add to the “greatest hits” last year — the ‘Seether 2002-2013.’ It turned out really good so we decided to hold off and wait, and add it to this next release. So, we’ve had the song for some time. It was done in a session of June of last year and it was sort of a great, benchmark for what the rest of the album needed to be, or be as strong as. It kind of set the tone and gave us a mission statement, if you will. It set the bar for how the album and the material we needed to subsequently write and put together. And so it’s found it’s way to be the first single.

Read More: Seether Talk ‘Isolate and Medicate’ Album + Touring | http://loudwire.com/seether-isolate-and-medicate-camaraderie-touring/?trackback=tsmclip

Courtney Love: “Grohl y yo sabíamos que era el momento de dejar estar nuestras disputas”

Courtney Love: “Grohl y yo sabíamos que era el momento de dejar estar nuestras disputas”

Courtney Love: We (Courtney and Grohl) just both knew it was time to let it go

Courtney Love

Sacado de // From –> http://portalternativo.com/http://pitchfork.com/features/interviews/9395-courtney-love/

Sin duda, el momento más impactante de la ceremonia en la que Nirvana pasaron a formar parte del Salón de la Fama del Rock And Roll fue el abrazo entre Dave Grohl y Courtney Love, tras años de desencuentros y disputas entre ésta y el ahora frontman de Foo Fighters y Krist Novoselic.

La gente de Pitchfork ha hablado de ello con Love que recuerda como fue el reencuentro.

De camino al baño, vi a Grohl y Grohl me vio a mi, y vino hacia mi primero -lo cual me cabreó porque yo iba a ir hacia él primero (risas) Quería adelantarme. Me dije, “Vale, da igual lo que pase, no vamos a putearnos”. Esa fue mi actitud y obviamente la suya. Ambos sabíamos que era momento de dejarlo estar y estábamos listos para hacerlo.

Han pasado 20 años – ni siquiera hablamos en el funeral (de Cobain). Ninguno de nosotros. Y así, 20 años de ser atacada como la Yoko (Ono), de Dave atacándome y yo atacando y empeorándolo todo, toda esa mierda. La mierda legal, los juicios. Lo enterramos. Fue realmente profundo. Me brotan las lágrimas hasta casi no poder hablar de ello. Hubieron ciertos abogados que me llamaron con lágrimas en los ojos y me dijeron que fue el momento más conmovedor de la noche. Hubieron algunos pesados que me abuchearon, lo cual fue raro y daba algo de miedo. Lo ignoré. Simplemente miré quien estaba en el escenario y me dije, “Ah, a la mierda”.

De la elección de que fueran cuatro mujeres quienes se encargaran de encabezar a Nirvana en su actuación en la ceremonia:

Al principio me pareció sexista y un poco ghettoizante. Pero luego me dije, “No, a Kurt le habría encantado esto”. Y hay realidad en ello. Parece que ningún tío de perfil alto quiso hacerlo. Es interesante, ¿no? Es decir, no sé donde terminará Lorde. Me gusta mucho la chica de St. Vincent – miré algunos de sus vídeos en Youtube y me gustó su aspecto, actitud, todo ella. Estuvo guay para lo nerviosa que seguramente debió estar. Pero te diré que el momento de Kim Gordon fue tan punk. Kim hizo la actuación más punk, la que Kurt más habría aprobado. Fue lo más punk que el Salón de la Fama del Rock haya visto nunca.

Salió llevando un mini vestido a rayas e hizo lo de tirarse al suelo rodando. Lo petó. Fue una sorpresa. Te juro que estaba mirando la mesa de Jann Wenner (fundador del Salón de la Fama) y estaban boquiabiertos porque todo había ido tan tranquilo toda la noche (risas) Fue una celebración del espíritu de lo que tenía de subversivo “In Utero” y (Steve) Albini, y lo que quedaba de punk en Nirvana. Yo y Kim no somos mejores amigas pero hace poco fui a la peluquería y mi peluquero me dijo, “Kim Gordon me preguntaba como estabas, te manda saludos”. Y le dije, “¿En serio? La verdad es que no nos hablamos pero salúdala de mi parte”. Así que, de alguna manera, hemos hecho las paces a través de nuestro peluquero.

Fui a la fiesta de después y en ese momento ya estaba emocionalmente seca. Había gente en esa habitación que me había robado mucho dinero. Me importaba una mierda; lo dejé estar. Grohl dijo algo bueno mientras daba tumbos alrededor del tema por el que nos habíamos estado atacando durante 20 años: no era más que nuestra manera de superar la matanza con lo que habíamos tenido que lidiar. Alguien sugirió entrar en la sala de prensa y hacer un abrazo en público pero dije, “¿Qué? Nooo”. Nos abrazamos en privado. No quise prostituirlo. Fue genuino. Tenía preparado un largo discurso, en el que me había dejado el culo, y cuando lo vi en el teleprompter fue como, “No te molestes, déjalo estar y entierra el hacha”. No iba a ser un gran momento televisivo, en términos de oratoria. No voy a conseguir un TED Talk por el discurso del Salón de la Fama, créeme.

En otro orden de cosas, habla también del posible regreso de Hole.

Somos los últimos del baile. Vi a Tom Morello la otra noche y pensaba que Rage no se habían reunido y me dice, “¿De qué hablas? Nos reunimos de 2007 a 2011″. Y me quedé, “¡Hostia puta!” Luego caímos en Nine Inch Nails y Soundgarden. Alguien me preguntó sobre salir con Alice In Chains y le dije, “No puedo, Layne está muerto”. Y mi manager me dijo, “Han tenido tres reuniones”. Y le dije, “¡Eso es imposible! ¡Layne está muerto!” Parece que han tenido tres éxitos en la radio alternativa, de las que no quedan muchas en EEUU – en los años gloriosos de Nirvana habían cientos, ahora hay 42.

Diría que el punto bajo de mi carrera fue en Texas, en el Pizza Hut Park, abriendo (el Edgefest de 2010) a mediodía, la primera en el cartel debajo de Limp Bizkit y 30 Seconds To Mars – no me puse ni maquillaje. Jared Leto estaba ahí con su cresta rosa tras nuestro set y me dice, “Hey bella dama”. Y le dije, “Jared, ya sé que eres una estrella del rock”. Y me dice, “¡Hemos llenado Wembley!” Y le dije, “Eres Jordan Catalano… Lo siento, no puedo quedarme a verte tocar”. Mi hija no es fan. Me guío por lo que dice mi niña. Su novio (Isaiah Silva) -mi cuñado- tiene una banda increíble llamada The Eeries. Tiene un rollo Oasis pero muy bueno.

No voy a comprometerme a que pase porque queremos un elemento de sorpresa. Hay muchos puntos que poner sobre la íes y eses que tachar. Es algo del año que viene pero hemos salido, nos hemos sentado, nos hemos visto, hemos ensayado. Hay algunas advertencias, algunas necesidades de la gente. Somos más viejos – todos estamos con la comida vegana, ¿sabes a lo que me refiero? Aparte de mi, nadie fuma. Nadie toma drogas. Melissa bebe vino tinto, como yo, y Patty no toma nada. Me gustaría asegurarme que (mi actual guitarrista) Micko (Larkin) está con nosotros porque necesitamos una persona extra si lo hacemos. Ha sido mi guitarrista desde hace siete años, tenemos una buena conexión.

Si queréis leer la entrevista al completo, en inglés, pasaros por –> http://pitchfork.com/features/interviews/9395-courtney-love/

IN ENGLISH

As ever, conversation with Love is a roller-coaster, vastly amusing with the occasional feeling of derailed collapse. Her combustible personal life continues to serve a great foil to her wit and intelligence, and when she gets philosophical about feminism, identity, or success, it can still strike like lightning. But even Courtney Love, who turns 50 this July, can only bury the past so far—at a point, she laughs while calling herself a loner who «likes myself better on-stage than in real life.» She’s primarily blunt to the point of comedy, unabashedly musing on her highest-highs and lowest-lows. As her manager comes on the line to cut us off, he plainly declares, «OK kids! The party’s over!» It sounds like a line he probably recycles often.

«To find your female scream and not withhold is so liberating. You can do anything then. It’s like you can fly. It gives you superpowers.»

Pitchfork: Did you talk to Grohl and Novoselic?

CL: We did. On my way to the bathroom, I saw Grohl, and Grohl saw me, and he came up to me first—which really pissed me off, because I was going to go up to him first. [laughs] I wanted to beat him to the punch. I was like, «All right, no matter what happens, we’re not going to be bitches.» That was my attitude going in, and obviously his. Not much else needs to be said. We just both knew it was time to let it go, and we were ready to do it.

It’s been 20 years—we didn’t even talk at the funeral. None of us. And so, 20 years of me getting Yoko-bashed, and Dave bashing, and me bashing and making it worse, all that shit. The legal stuff, the trial. We just buried it. It was really deep. It brings tears to my eyes to even talk about it. There were certain lawyers who called me tearfully and said it was the most moving moment of the night. There were some hecklers who booed me, which was weird and off and scary. I ignored it. I just looked at who was on stage and was like, «Ah, fuck it.»

Pitchfork: What have you been up to these past couple of days?

Courtney Love: I’m in my sunny rental in fabulous Beverly Hills, California, eating chocolate chip cookie dough and watching the last season of «Downton Abbey». I don’t like reality shows. I have a friend in London who lets me stay at his house, a successful art dealer, and I looked at his TiVo list—he hadn’t paid his cable—and it was all «The Real Housewives», and I was like, «OK, I can read a book, or I can watch ‘The Real Housewives’ of whatever.» So I got stuck watching «The Real Housewives» of whatever. I tried all the different cities, and it was equally disgusting and awful each time. I can’t believe these shows. It’s terrifying. It’s like, [Network screenwriter] Paddy Chayefsky was right, and here we are.

I did a video the other day, which might come out. It’s typical stuff you would expect from me, directed by my friend Maximilla [Lukacs] —who does super high-femme, surreal videos—and it was total Miss Havisham. What am I wearing? A white dress! Of course! But you know what I’m not wearing? A flower crown. I have to tell you, I’ve never worn a flower crown, except once, in 1985, before you were born, right before Andy Warhol died. He decided I was going to be a star and put me in Interview wearing a flower crown. It was my first big piece of press. I saw pictures of Coachella and all these girls are wearing flower crowns from Urban Outfitters! Flower crowns have tipped. They might be a little bit done. Max’s videos have a lot of flower crowns in them, and I said, «Max, no flower crown.» For what the video cost, which was nothing, it might be good. It’s not going to get 62 million hits, but it is what it is.

Pitchfork: Was there a specific reason you moved from New York back to L.A.?

CL: One was to be near [my daughter] Frances. That’s the most important one. And the other is to be closer and more accessible to acting. I have a pretty big agent who’s very passionate about me right now, so we’re looking at film stuff. And Eric [Erlandson]’s here, so we can work on [Hole], which is a next-year, next-level concern. I’m not a theater rat, so I never got a theatrical agent [in New York] and did a play. I came really close though.

Pitchfork: What play were you going to do?

CL: I don’t want to say because I might still get it. The chick won a Tony for it. It was an unknown, out-of-the-blue, very feminist—but sexual—piece. I came so close, and the producer wanted me. But the director had equity and he didn’t want me. Not because of acting capacity—I was a perfect fit—but because of reputation. I really want to give a TED talk on «reputation.» That is something I’m specifically equipped to discuss—how reputation can affect even your capacity to rent a place. Having good credit is irrelevant in the face of something like getting thrown out of court six years ago. I’ve really thought this out.

Pitchfork: Your new single «You Know My Name» references that idea.

CL: Yeah. I mean, look, it’s not «Hallelujah»—I didn’t write a lyric like, «I’m the little Jew that wrote the Bible.» I’m not showing off the best of my lyrical capacity, but it’s fucking catchy. This is a song kids are going to like a lot. I’m in the middle of writing a letter to a guy I have a crush on about this song, and how he’s probably not going to like it because he’s a grown-up. He’s more of a Dylan type. The B-side is also fast. I think fast songs are harder to write—I set the bar really high for fast songs. We demoed 18 songs, and I threw them all out. I wanted immediate—boom—get in there, punch them in the face in under three minutes, get out!

Pitchfork: At first, I wondered why you released those songs as Courtney Love rather than as Hole, like your last album, Nobody’s Daughter

CL: Well, that was a mistake in 2010. Eric was right—I kind of cheapened the name, even though I’m legally allowed to use it. I should save «Hole» for the lineup everybody wants to see and had the balls to put Nobody’s Daughter under my own name.

Pitchfork: So the Hole reunion will be happening then?

CL: I’m not going to commit to it happening, because we want an element of surprise. There’s a lot of i’s to be dotted and t’s to be crossed. It’s next year’s concern, but we’ve hung out, we’ve sat down, we’ve met, we’ve jammed. There’s some caveats, there’s some things people need. We’re older—we’re all mainlining vegan food, you know what I mean? Nobody smokes other than me. No one’s on drugs. Melissa drinks red wine, like me, and Patty’s sober. I’d like to make sure that [my current guitarist] Micko [Larkin] stays along for that ride, because we’re going to need an extra person if we do it anyway. He’s been my guitarist for seven years, we have a good connection.

Pitchfork: If the mid-90s Hole lineup did reunite next year, what would playing with them again mean to you?

CL: It would only mean anything if we did something relevant. Listen, you’ll love this conversation, given that you’re from Pitchfork: We are the last to the dance. I saw Tom Morello the other night, and I thought Rage hadn’t even [reunited], and he goes, «What are you talking about? We did a reunion from 2007 to 2011.» I’m like, «Holy shit!» Then we got down to Nine Inch Nails and Soundgarden. Someone asked me to go out with Alice in Chains, and I’m like, «I can’t, Layne is dead.» And my manager was like, «They’ve had three reunions.» I’m like, «That’s impossible! Layne’s dead!» Apparently, they had three hits on alternative radio, which there’s not much of in the States—in the Nirvana glory years, there were over a thousand stations, and now there’s 42.

I would say the low point of my career was in Texas, at Pizza Hut Park, opening [2010’s Edgefest] at noon, first on the bill under Limp Bizkit and 30 Seconds to Mars—I didn’t even put makeup on. Jared Leto is standing there with his pink mohawk after our set, and he goes, «Hey, pretty lady.» And I was like, «Jared, I know you’re a rock star.» And he goes, «We sold out Wembley!» And I’m like, «You’re Jordan Catalano… I’m sorry. I can’t stick around to see you play.» My daughter isn’t a fan. I go by what my kid says. Her boyfriend [Isaiah Silva]—my son-in-law—has an amazing band called the Eeries. It’s Oasis-tinged, but so good.

Pitchfork: What would make the Hole reunion relevant?

CL: If we can get two killer songs together and then look at an album. We definitely would be looking at an album. I can’t live on the oldies circuit. The band started talking about everyone who’s done it. Patty brought up that Jesus Lizard had done it, and I’m like, «Wait, wait, wait—Jesus Lizard did a reunion tour?!» Then Melissa’s like, «Yeah, Sunny Day Real Estate did it.» And I’m like, «How did Sunny Day Real Estate do a reunion tour?» It’s like anybody that ever had a Sub Pop Single of the Month did a reunion tour! I’m like, «Next you’re going to tell me that the Dwarves did it.» And they did! This is crazy!

I’m the last holdout on this. And the reason it’s not happening this year is because I was too late to come to the conclusion that it should be done, and to find the manager we all agree on. To make it have some ass-kicking. No one’s been dormant. Patty teaches drumming and drums in three indie bands. Melissa has her metal-nerd thing going on—her dream is to play Castle Donington with Dokken. Eric hasn’t flipped—I jammed with him, he’s still doing his Thurston-crazy tunings, still corresponding with Kevin Shields. We all get along great. There are bands who reunite and hate each others’ guts.

If you want to read the whole interview –> http://pitchfork.com/features/interviews/9395-courtney-love/

 

William DuVall habla sobre el espectacular «segundo acto» de Alice In Chains

William DuVall habla sobre el espectacular «segundo acto» de Alice In Chains

Alice in Chains frontman talks about band’s spectacular second act

Sacado de // From –> http://www.islandpacket.com/

Pregunta. Cuando estás tocando en ciertas ciudades, ¿puedes realmente distinguir unas de otras o todas se mezclan?

DuVall. Por un lado, todo parece que se mezcla. Estás en una rutina y permanecer encerrado en esa rutina es lo que te permite sobrevivir. A veces los lugares tendrán un aspecto similar, sobre todo si estamos jugando grandes estadios. Hay algunos aspectos del backstage, todos desprenden algo igual. Pero, una vez dicho esto, obviamente, si estás tocando en Roma, será diferente a tocar en Estambul, y va a ser diferente a tocar en Tulsa y será diferente a tocar en Nueva York. Esa es la única cosa que es extraño en ello. Por una parte hay esta rutina embrutecedora, pero por otro hay este enorme sobrecarga sensorial.

P. ¿Alguna vez estás en el escenario y olvidas dónde estás?

DuVall. Por lo general, tratas de saber dónde te encuentras en el momento en el que sales al escenario. Hay momentos en que te despiertas en medio de la noche o estás en un autobús de gira y no sabes dónde te encuentras. Especialmente en una habitación de hotel. Es una experiencia muy desconcertante que probablemente un montón de gente que viaja puede conocer.

Dicho esto, en el momento den que te sitúas en el escenario, tienes que averiguar a través de tu mente dónde estás. Con todos los clichés cómicos, gritando la ciudad equivocada – «Hello Cleveland» – También tenemos la ciudad escrita en nuestros setlist, pero eso es mayormente para el mantenimiento de grabaciones. Nunca he olvidado dónde estoy cuando estoy en el escenario.

Si queréis leer más de la entrevista, en inglés, pasaros por –> http://www.islandpacket.com/2014/04/30/3086859/alice-in-chains-frontman-talks.html?sp=/99/543/

IN ENGLISH

Question. When you’re playing certain cities, can you really decipher one from the other or do they all just blend together?

DuVall. On the one hand, everything does kind of blend together. You are in a routine and staying locked in that routine is what allows you to survive. Sometimes venues will look similar, especially if we’re playing arenas. There’s some aspects of backstage, the way they look that’s all the same. But, having said that, obviously if you’re playing in Rome, that’s going to be different than playing in Istanbul, and that’s going to be different than playing Tulsa and that’s going to be different than playing in New York. That’s the one thing that’s bizarre about it. On the one hand there’s this mind-numbing routine about it, but on the other there’s this enormous sensory overload.

Q. Are you ever on stage and forget where you are?

DuVall. You usually try to know where you are by the time you hit the stage. There are times when you wake up in the middle of the night or you’re on a tour bus and don’t know where you are. Especially in a hotel room. That is a very disorienting experience that probably a lot of people who travel can relate to.

Having said that, by the time you hit the stage, you have to get through your mind where you are. With all the comedic cliches, yelling out the wrong city — «Hello Cleveland!» — We also have the city written on our set lists, but that’s mostly for record-keeping. I’ve never forgotten where I am when I’m on stage.

Courtney Love: «Mi hija me llama zorra épica»

Courtney Love: «Mi hija me llama zorra épica»

Courtney Love: My daughter calls me an epic slut

Courtney Love: My daughter calls me an epic slut

Sacado de // From –> http://metro.co.uk/

(…)

La lista de conquistas comocidas de Love – que incluye a Billy Corgan , Trent Reznor , Ed Norton y supuestamente a Kate Moss – es impresionante. Pero cuando ella hace una referencia a ‘Liam ‘ ( Gallagher ) Me intriga – todos sabemos acerca de la aventura amorosa de Love con el bajista de Blur Alex James , pero nunca he oído hablar de ella relacionada sexualmente en una aventura en la otra esquina del ring de boxeo Britpop .

‘Liam me tocó Songbird a las 10 justo aquí en el Groucho , » explica ella . ‘ Y él dice: » ¿qué piensas mí? » Quiero decir, él era encantador, pero tenía muy mal aliento por estar despierto toda la noche y todas sus cejas ahí en medio … y yo sólo pensé que se parecía a un siervo del siglo XIII sacado de Monty Python. Y lo dije en voz alta. No se sintió insultado , él no me entendió . Pero Frances, que le encanta Oasis más incluso que Nirvana, estaba furiosa porque no me acosté con él. Ella me envió un mensaje diciendo : «¡ Mamá, eres una zorra épica, pero nunca te acostaste con Liam Gallagher »

Si queréis leer el resto de la entrevista –> http://metro.co.uk/2014/04/29/courtney-love-my-daughter-calls-me-an-epic-slut-4711870/

IN ENGLISH

(…)

The list of Love’s known conquests – which includes Billy Corgan, Trent Reznor, Ed Norton and supposedly Kate Moss – is impressive. But when she drops in a reference to ‘Liam’ (Gallagher) I am intrigued – we all know about Love’s spankathon with Blur bassist Alex James but I’ve never heard of her sexually venturing into the other corner of the Britpop boxing ring.

‘Liam played me Songbird at 10am right here in the Groucho,’ she explains. ‘And he goes, “what do you think of me?” I mean, he was lovely but had really bad breath from being up all night and his eyebrows kind of met in the middle… and I just thought he looked like a 13th-century serf from Monty Python. And I blurted it out loud. He didn’t get insulted, he didn’t understand me. But Frances, who loves Oasis more than Nirvana, was furious I didn’t sleep with him. She texted me saying: “Mommy you are an epic slut but you never slept with Liam Gallagher!”

If you want to read the whole interview –> http://metro.co.uk/2014/04/29/courtney-love-my-daughter-calls-me-an-epic-slut-4711870/

Steve Albini: “Los sellos han pasado a ser irrelevantes”

Steve Albini: “Los sellos han pasado a ser irrelevantes”

Steve Albini: “Record labels, which used to have complete control, are essentially irrelevant ”

Steve Albini: “Los sellos han pasado a ser irrelevantes”

Sacado de // From –> http://portalternativo.com/http://qz.com/

El siempre polémico asunto de la música en ‘streaming’ sigue generando debate y el último en mostrar su postura ha sido el siempre claro Steve Albini.

Y es que se cumplen 20 años desde que escribió un artículo para la revista The Baffler titulado “El problema con la música” en el que explicaba como toda la “cadena alimentaria” de la música estaba hecha para que todo el mundo sacara provecho del producto final menos quien realmente lo creaba, el artista.

Sin embargo, Albini ve la actualidad y el futuro de la música con optimismo, como muestra en declaraciones a Quartz.

Lo mejor que ha pasado en mi vida en la música, tras el punk rock, es ser capaz de compartir música globalmente gratis. Eso es un una evolución increíble.

Los tiempos han cambiado mucho desde aquel artículo de Albini.

Los sellos discográficos, que solían tener todo el control, son esencialmente irrelevantes. El proceso de que una banda se exponga al mundo es extremadamente democrático y no hay barreras. La música ya no es un producto, es un ambiente, un elemento atmosférico. Los consumidores tienen mucha más elección y ves a gente gratificándose en la especificidad de sus gustos de forma dramática. Solo se preocupan por la música que les gusta.

Albini solo ve oportunidades en servicios como Youtube o Bandcamp.

Puedes, literalmente, tener un público a nivel mundial para tu música… Sin participación empresarial, lo cual es tremendo.

De los servicios en ‘streaming’ asegura:

Creo que son extremadamente convenientes para gente que no son genuinos fans de la música, que no quieren matarse a buscar bandas. Pero creo que se hace un cálculo incorrecto por parte de la gente que se cabrea (por su existencia). Creo que la compensación no es tan ridícula como piensa todo el mundo. Es como quejarse de que los coches van más rápido que los caballos.

Lo que más alegra al productor es el hundimiento de la industria de la edición musical, que califica de “extorsionadora“.

Nunca operó en beneficio de los compositores. De todas las cosas que se han derrumbado en el paradigma musical, la que me alegra más es ver como se desmorona el fraude de la publicación.

La caída del sistema imperante provoca que la gente busque experiencias más cercanas, más reales, lo que redunda en beneficio de los conciertos en directo.

Creo que esa es una manera mucho más directa y genuina de pagarle a una banda, y una manera mucho más eficiente de compensar.

Bien pensado, las cosas que han pasado debido a internet han sido tremendamente buenas para las bandas y el público pero realmente malas para los negocios que no son parte de esa red, la gente que desvía el dinero. Me importa un carajo esa gente.

IN ENGLISH

It’s now 20 years since Steve Albini, the legendary rock music producer best known for Nirvana’s last studio album In Utero, penned a seminal essay for the literary magazine, The Baffler.

It was titled “The Problem with Music,” and detailed how the entire food chain of the music business was set up to profit from the end product, except for the artists who actually conceived and made it.

He offered the example of a band, “pretty ordinary, but they’re also pretty good” that signed to a moderately sized independent label. They sold 250,000 copies of an album—considerable success by most standards—making the music industry more than $3 million, yet still ending up $14,000 in debt. “The band members have each earned about 1/3 as much as they would working at a 7-11, but they got to ride in a tour bus for a month,” he famously wrote.

Many aspiring musicians (and music journalists) of a certain vintage would have come across this inspirational piece of writing, thanks largely to the internet. So it’s quite fitting that since then, the same irrepressible force—the internet—has largely dismantled the profit centers the music industry has relied on for most of its existence.

Not everyone is cool with that. “The internet will suck the creative content out of the whole world until nothing is left,” wrote David Byrne, the former Talking Heads frontman, a sentiment that is shared by many in the music business who think the economics for artists have gotten even worse. Yet Albini, who we tracked down to discuss the state of the industry, is relatively upbeat, ebullient even.

“The single best thing that has happened in my lifetime in music, after punk rock, is being able to share music, globally for free,” he tells Quartz. “That’s such an incredible development.”

Over the past two decades the way recorded music is consumed has changed irrevocably. Napster and the various copycat file sharing services it spawned taught an entire generation of would-be CD buyers to expect to be able to listen to their favorite music for free. Not long after, Apple’s iTunes made it more attractive for those who are prepared to pay for music to buy individual songs rather than full albums.

The adjustment to this new reality has been painful, and not everyone has embraced it. (Remember when Jon Bon Jovi, hilariously, blamed Steve Jobs for the death of the music business?) But in Albini’s view, what exists now is far better than what existed before.

“Record labels, which used to have complete control, are essentially irrelevant ,” he says. “The process of a band exposing itself to the world is extremely democratic and there are no barriers. Music is no longer a commodity, it’s an environment, or atmospheric element. Consumers have much more choice and you see people indulging in the specificity of their tastes dramatically more. They only bother with music they like.”

In the physical music era, company executives and the music press were the arbiters of taste— a band needed to convince a label to sign it, fund it, and often get critics to like it, to have a realistic shot at success. These days, it’s a much more meritocratic process: people can make music in their garage and reach their audiences through YouTube, BandCamp and any number of internet avenues. “You can literally have a worldwide audience for your music….with no corporate participation, which is tremendous,” Albini says.

If you want to read the whole interview –> http://qz.com/202194/steve-albini-the-problem-with-music-has-been-solved-by-the-internet/#/

Buzz Osbourne habla del tema de Melvins que aparece en “True Detective”

Buzz Osbourne habla del tema de Melvins que aparece en “True Detective”

Melvins and “True Detective”

Buzz Osborne - SUBMITTED PHOTO

Sacado de // From –> http://portalternativo.com/http://www.nuvo.net/

Buzz Osbourne, frontman de Melvins, ha hablado de como un tema del grupo (“A History Of Bad Men”) terminó sonando en un episodio de “True Detective”, la vanagloriada serie de la HBO.

Si queréis leer la entrevista al completo, en inglés, pasaros por –> http://www.nuvo.net/indianapolis/all-hail-king-buzzo/Content?oid=2787260#.U1-oyVfuyYG

Nos solicitaron permiso para usar esa canción el año pasado. Y sabes, era una cantidad de dinero relativamente decente.No va a hacernos millonarios ni siquiera centenarios pero sonaba guay y, sinceramente, no recibimos muchas ofertas así, la verdad es que nunca. Y yo estoy más que feliz de poner mi música allá donde sea posible. Lo único que no me interesa tanto es, “Tengo una película artística a la que quiero poner tu música; aunque no tengo dinero”. Es como, puedo hacer cosas gratis cada día de la semana. Puedo montar conciertos por nada. ¡Esos son los más fáciles de montar! Raramente, a no ser que conozca a la persona, no me preocupo (en hacerlo). No puedes poner tus cosas ahí por nada a cambio. Hace parecer que no vales nada. Así que lo hicimos… Aquí viene lo raro. Hace mucho tiempo, cuando sacamos el disco “Eggnog”, T Bone Burnett le llamó – era principios de los 90 – y me dijo lo mucho que le gustaba el disco. ¿No es raro eso? De algún modo se enteró de mi número y me llamó para contarme lo mucho que le parecía que ese disco era maravilloso. ¡El “Eggnogdisco” de todos los discos! También me dijo que los sellos indie eran una estafa y estábamos cerca de firmar por Atlantic (Records) y no le parecía una mala idea. Y yo no le conocía – había visto tocar a su banda, como telonera de Rolling Stones, lo creas o no.

Y no he vuelto a hablar con él. Sé que ha estado involucrado en muchos proyectos y cada vez que veía su nombre, como en lo de “O’ Brother (Where Art Thou)” y cosas así, pensaba, “Hey, yo hablé una vez con ese tío”. Y ahora, 25 años después, hacemos esto. ¡Y creo que está bien! Siempre pensé que nuestra música está hecha a medida para las bandas sonoras pero nunca pasa, nunca. Dicen, “Queremos usar tu material para esta película” pero cuando llega el momento de hacerlo, te dicen, “Hemos decidido usar una canción de Rage Against The Machine”. Y yo digo, “Vale, era tu idea. Yo no lo había pedido”. Me han dicho tantas veces lo de, “Oh si, estamos realmente interesados en hacer esto. Nos preguntamos si podríais hacerlo gratis”. No. En casa saco lo mismo. No tengo ni que salir en internet para eso. Es raro como se completa el círculo. La gente siempre nos dice, “¿Por qué no hacéis cosas para bandas sonoras?” ¿Por qué no lo HACEMOS? Bueno, primero de todo, no quiero hacer bandas sonoras para nadie. Eso suena horrible. No estoy hecho para eso. No puedo oír a un director diciéndome lo que quiere o no. Mi ego no está hecho para eso. Diría, “Esto es lo que pienso de como estás dirigiendo la película”. No estoy interesado en eso; tenemos un vasto catálogo del que la gente puede escoger y no hay interés. Así que esto es nuevo y he oído muy buenas reacciones. Gracias, T Bone.

IN ENGLISH

NUVO: I’m a little bit in the True Detective conspiracy rabbit hole, which featured the Melvins track «A History of Bad Men,» two episodes ago. Do you watch the show?

Osborne: No, I don’t watch TV.

[cue many minutes of explaining HBO’s True Detective, which claims T Bone Burnett as music supervisor.]

Osborne: We got approached to license that song some time last year. And, you know, it was a relatively decent amount of money. It’s not going to make anyone millionaires, or even thousandaires. But it sounded cool, and we honestly don’t get a lot of offers like that, not really ever. And I’m more than happy to put my music wherever possible. The only thing I’m not super interested in is [this scenario], «I’ve got an art film I want to put your music in; I don’t have any money, though.» It’s like, I can do stuff for no money every day of the week. I can set up gigs for nothing. Those are the easiest ones to set up! I rarely, unless I know the person, I just can’t be bothered. You can’t just put your stuff out there for nothing. It makes you look like you’re worth nothing. And so, we did it. … Here’s the weird thing. A long time ago, when we put out the Eggnog record, T Bone Burnett called me – it was in the early ’90s – and told me how much he liked that record. Isn’t that weird? He somehow got ahold of my number and called me to tell me how much he thought that record was amazing. The Eggnog record, of all records! He also told me that he thought indie labels were a ripoff, and we were getting ready and talking about signing to Atlantic [Records] and he didn’t think that was a bad idea. And I didn’t know him at all – I’d seen his band play before that, opening for the Rolling Stones, believe it or not.

And I never talked to him again. I know he’s been involved in a lot of projects, and every time I saw his name, like with that O’ Brother [Where Art Thou] and stuff like that, I would think, «Hey, I talked to that guy, once.» And now, 25 years later, we’re doing this thing. And I think it’s good! I always thought our music was tailor-made for soundtrack stuff, but it just never really happens, never. They say, «We want to use your stuff for this movie,» but when it comes time to do it, they say, «Well, we decided to use a Rage Against The Machine song, instead.» And I’m like, «Okay, well it was your idea. I didn’t ask you.» I’ve been told so many times, «Oh, yeah, we’re really interested in doing this. We’re wondering if you can do it for nothing?» No. I can stay at home and make nothing. I don’t even have to get on the Internet for that. It’s just rare that it comes full circle. People always say to us, «Why don’t you do soundtrack stuff?» Why don’t we DO it? Well, first of all, I don’t want to make soundtracks for anybody. That sounds horrific. I’m not built for that. I can’t listen to some director tell me what he wants or doesn’t want. My ego is not built for that. I would be going, «Here’s what I think of how you’re directing the movie.» I’m not interested in that; we have a vast catalogue of stuff people can pick from, and they have no interest. So this is a new thing, and I’ve heard a lot of good feedback from it. Thank you, T Bone.

If you want to read the whole interview –> http://www.nuvo.net/indianapolis/all-hail-king-buzzo/Content?oid=2787260#.U1-oyVfuyYG