Crítica de Voragine Aborigen (Porcelina)
Sacado de portalternativo.com
Después de escuchar varias veces “Vorágine Aborígen” no puedo si no hacerme una pregunta: ¿Acaso no somos generalmente excesivamente exigentes con las bandas de rock españolas o nacionales?
A la hora de valorar un disco resulta inevitable buscar las conexiones, influencias y parecidos con otras bandas, géneros o sonidos. Muchas veces este tipo de comparaciones juegan en contra del resultado de un disco. Así que me propuse aislar este tipo de recurrentes comparativas para dejarme llevar por las emociones que un disco como “Vorágine Aborigen” puede provocar. Algo así como intentar ver un vaso de agua medio lleno en vez de medio vacío.
Aquellos que prefieran ver el vaso medio vacío, argumentarán que Porcelina proponen un disco en el que resulta muy obvio encontrar sus influencias; citarán a Alice In Chains, Stone Temple Pilots o incluso Pearl Jam como la bandas sin las que seguramente este disco no existiría. Incluso los más avispados podrían decir que suenan como ya lo hicieron años atrás otras bandas Españolas como Tribu X o El fantastico hombre bala.
Sencillamente le harán un flaco favor a “Vorágine Aborigen”.
Por otro lado, quienes prefieran ver ese mismo vaso medio lleno, citarán la semejanza del sonido de Porcelina como una acertada revisión del mejor rock (alternativo) de los 90. Porque, en definitiva, esto es lo que propone la banda sevillana.
Desde que iniciaran su actividad como banda 8 años atrás, han trabajado duro. Han grabado 2 demos y se han presentado a cuantos eventos y concursos han podido para seguir adelante. Durante estos años han compuesto, tocado y revisado los 10 temas de “Vorágine Aborigen” una y mil veces. Así que el resultado de este álbum, es algo así como el resumen de varios años de buen trabajo.
Un trabajo, un disco, creado por unos músicos que han sabido entender y entrelazar la influencia de esas bandas que antes mencionaba.
Uno de los aspectos que se debe destacar de “Vorágine Aborigen” son las letras y no solo por su profundidad sino también por su excelente elaboración y por el nada sencillo ejercicio de dignidad que supone enfrentarlas en castellano.
Otros aspectos destacables del disco, y aquí es donde a una banda hay que exigirle son la ejecución, mucho más que notable. La calidad de las composiciones y la capacidad del grupo para moverse sin cisuras por todos los ángulos que un disco como este debe tener. Si en los temas más contundentes mantienen la intensidad con maestría, en las canciones con vocación de medio tiempo manejan con acierto la cadencia adecuada como bien muestran en “La Madriguera” o la magnífica “Yugoslavia”.
Definitivamente no sé que más se le puede o debe pedir a una banda de rock alternativa en España. Al fin y al cabo por muy ‘refritas’ que puedan resultar sus referencias o el género en el que se mueven, tampoco es que haya tantas opciones en el mercado nacional.
Como decía, con respecto a Porcelina yo soy uno de los que prefiere ver el vaso medio lleno. Y a nada que te sumerjas en su disco libre de comparaciones y prejuicios seguramente seras un convencido más de que este vaso está mucho más lleno que vacío.
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Crítica a Ukulele Songs
Sacado de algosuena.com
El hecho de que Eddie Vedder sacara su nuevo disco solista, no puede sorprender a nadie. Lo que sí dejó atónitos a unos cuantos es que iba a ser enteramente grabado con un particular instrumento. “Ukulele Songs”, tenía la difícil tarea de mantener el nivel del anterior disco solista del líder de Pearl Jam(“Into the Wild”) o si fuera posible, superarlo. A pesar de ésto, como no podía ser de otra forma, Vedder, como de costumbre, estuvo a la altura de las circunstancias
El disco cuenta con un total de 16 canciones, todas ellas, por supuesto, en clave ukulele. Otra particularidad del nuevo LP del frontman de PJ es que Glen Hansard y Cat Power prestaron su voz para terminar de darle un cierre melancólico y tranquilo al nuevo trabajo.
Abre con Can’t keep, cover de Pearl Jam del álbum Riot Act. Con sus obvias diferencias, la canción no pierde su esencia y –a riesgo de los que algunos llegaron a pensar- no arruinó la versión original.
Hermosas baladas (¿podrían ser otra cosa?) como Broken heart y You’re trueenvuelven el álbum. Las colaboraciones de Hansard y Power le dan un aire folk y con gustito a fogón entre amigos.
Con 46 años de edad, Eddie Vedder dejó en claro que es uno de los grandes músicos de su época y que si se lo propone, sin percusión, sin guitarras eléctricas y con cuatro cuerdas, puede hacer magia.
Review del mítico Ten de Pearl Jam
(Sacado de internet)
1- Once
Impresionante riff inicial de este primer tema del legendario TEN.
Tema muy hard-rock con tintes punk-core. Riffs potentísimos, voz desgarrada y agresiva del siempre espectacular Eddie Vedder.
El estribillo es muy adhesivo y contundente con un Eddie al borde del colapso mental.
2- Even Flow
Gran tema de Pearl Jam.
De nuevo un mítico riff inicial, con un gran trabajo al bajo de Jeff Ament y primer tema dónde dejan entrever su deuda con el rock de los 70. Interesante sección rítmica que incorporan a mitad del tema.
3- Alive
El hit que catapultó al quinteto de Seattle al éxito masivo con una letra y un mensaje que convirtieron a Eddie Vedder en un icono generacional.
Una canción plagada de riffs espectaculares iniciado por el riff zigzagueante de guitarra a cargo de Stone Gossard.
Un Eddie enorme en la voz convirtiéndose en un ejemplo largamente imitado por cantantes de su generación y posteriores.
El estribillo es brillante, pegadizo y de lo simple y directo que es no se te quita de la cabeza.
Finaliza con una orgía de riffs con un McCready gustándose y gustando.
Tema muy típico de Pearl Jam.
4- Why Go?
Comienzo con una buena intro de bajo seguido de unos riffs psicodélicos y extraños.
Eddie parece poseído y ataca los versos de manera muy agresiva. Buen solo de guitarra con reminiscencias a Hendrix.
5- Black
Primera balada y la más emocionante de su carrera.
Suave, melancólica, emocionante y terriblemente angustiosa. En los labios de Vedder percibes el mensaje de derrota y de dolor insoportable.
Comienza suave, con un buen punteo de guitarra y piano y se va acelerando hasta explotar en unos versos finales y unos coros que acentúan el tono angustiante del corazón destrozado del narrador.
Si con esta canción no te emocionas es que no tienes sentimientos.
En definitiva, una obra de arte con la que perfectamente te puedes morir después de haberla escuchado.
6- Jeremy
La canción narra la triste historia del suicido en mitad de clase del estudiante Jeremy Dale.
El vocalista despliega todo su potencial detrás de una superlativa melodía del talentoso binomio Jeff – Stone, padres de la mayoría de tema de este TEN.
«Jeremy spoke in class today» el estribillo que repite el demente narrador que se va transformando en aullidos de lamento y rabia con unas contundentes guitarras y una envolvente batería al servicio del mejor tema (para mí) que nunca han parido Pearl Jam.
7- Oceans
Balada psicodélica con una guitarra que va repitiendo un sencillo rasgueo.
La percusión de timbales y tambores le da un aire muy folk y penetrante.
8- Porch
Viaje a toda velocidad! Potentísima y rapidísima canción bastante hardcore.
Final asfixiante y a toda pastilla dónde el vocalista paranoico canta preso de una furia increible detrás de una guitarra y batería desbocada.
9- Garden
Melancólica y depresiva balada realmente muy emocionante. Dotada de una estribillo de una belleza extrema que muestra la puntería melódica del grupo.
Excelentes coros finales y solo de guitarra que le dan un punto lánguido al tema. Eddie vuelve a estar sublime y emotivo.
10- Deep
Medio tiempo potente con nuevamente una notable agresividad en la voz.
Destacan unas guitarras algo estrafalarias y psicodélicas y una rápida batería a cargo de Dave Krusen. El bajo va llevando una línea suave y lenta para dejarla explotar en un estribillo crudo y asfixiante.
11- Release
Brillantísimo broche final para un álbum clave en la historia de la música.
Balada exquisita con otra melodía excelente que unida a la siempre emocionante interpretación vocal nos pasea por una cantidad de paisajes y sentimientos enriquecedores.
Transmite una sensación de soledad y angustia impresionantes que deja la piel de gallina.
Release theeeeeeeeeem!!!!
Wasting Ligth review
Aquí os dejo una Review que me he encontrado por internet del nuevo álbum de los Foo, a ver que os parece:
Hay un lugar común que establece que Dave Grohl jamás pudo superar el nivel compositivo de los dos primeros discos de Foo Fighters (el debut homónimo de 1995 y su sucesor, “The colour and the shape”, de 1997) y que las entregas subsiguientes fueron pálidos intentos en comparación. Hay un error en dicha apreciación (si bien es innegable que aquellos trabajos iniciales probablemente sean insuperables) y se trata de un pecado de superficialidad. Me explico: Lo que la mayoría espera de cada nuevo lanzamiento de Foo Fighters es el gancho inmediato y refrescante de las obras mencionadas, algo imposible de replicar. Y lo cierto es que, con varias escuchas atentas, cada disco del ahora quinteto (con la reincorporación del legendario guitarrista Pat Smears como miembro fijo) expone una envidiable profundidad melódica, un cuidadoso equilibrio entre sensibilidad Pop y empuje Punk, y una constante maduración en términos de elaboración musical. Y, claro, todo ello expuesto en canciones redondas, tremendamente gancheras pero siempre potentes y emotivas. “Wasting light” (séptimo álbum del grupo) es tal vez la prueba más contundente de esto. Las canciones mantienen el estilo particular de siempre (lo cual no es poco), guiadas por las preciosas melodías vocales de Grohl (un cantante limitado pero siempre expresivo y atinado), sostenidas por el nervio energético y el sublime manejo dinámico de la base rítmica (Taylor Hawkins tal vez sea el baterista que mejor logró replicar el estilo del mismo Grohl) y arropadas por un trabajo de guitarras tan inteligente como armónico. Claro, el hecho de que ahora cuenten con tres guitarristas ayuda a que el entramado instrumental haya crecido en riqueza, texturas y arreglos, sin por ello perder de vista el respeto por la canción en sí misma. Y es que, digan lo que quieran, pero si hay algo que el buen Dave tiene en claro (y lo viene demostrando desde que era un joven Punk dentro de la escena de su Washington DC natal) es cómo componer piezas perfectas, con grandes melodías, emoción sincera y un gran poder de síntesis. Después tenemos lo anecdótico. La producción de Butch Vig (el tipo que engañó a Kurt Cobain para lograr su disco más Popero), la grabación cien por ciento analógica, las participaciones de Krist Novoselic (actual bajista de Flipper, ex miembro de Sweet 75, Eyes Adrift y otra banda que no recuerdo) y Bob Mould (el mejor compositor del Rock Americano, influencia insoslayable para Grohl y todo aquel que alguna vez intentara combinar emotivas melodías Pop con guitarras distorsionadas y rabia Punk), y el mencionado retorno de Pat Smears. Detrás de todas las especulaciones, las poses, los datos inservibles y los fanatismos están las canciones. “Wasting light” trae cuarenta y ocho minutos de eso mismo para disfrutar sin prejuicios.